Que signifie l’acte de peindre la figure humaine aujourd’hui ?
Que faire alors que depuis près de 500 ans, l’art occidental n’a jamais cessé de se préoccuper de la représentation de l’homme. Longtemps, les artistes ont eu le choix entre deux options. Soit ils représentaient un personnage et son rôle social, soit ils tentaient de saisir la dimension métaphysique de l’être qui posait devant eux (la fameuse saisi de l’âme).
A première vue, les peintures de Dominique Renson appartiendraient à la deuxième catégorie. Autoportraits, personnages nus sur des fonds neutres constituent bien les motifs d’une véritable tentative pour témoigner de la singularité de chaque être. Chacune de ses œuvres refuse effectivement d’indiquer comment un individu se conforme et s’identifie à un rôle social.
Aucun signe de cette appartenance n’apparaît. L’artiste au contraire poursuit à travers ces portraits une recherche formelle qui aboutit à exposer la chair nue, la chair comme source de douleur, comme le lieu même ou s’inscrit en creux toutes les angoisses d’un homme tous les espoirs aussi.
Pourtant, cette recherche savante, cette recherche faite d’aller et retours, d’hésitations et de repentirs, n’est rien d’autre qu’une ultime tentative pour l’artiste de dresser en creux le plus lucide et le plus effrayant des autoportraits.
Même dans l’image des autres, ce qui ne cesse de transparaître n’est ni plus ni moins qu’une introspection sans concession puisqu’elle ne cesse de rejoindre l’universel à partir du singulier.